“To reproduce oneself is to disappear and even the most basic asexualized being is rarefied by reproduction. Those who reproduce themselves do not die if, by death, we understand the passage from life to decomposition, but he who was, by reproducing himself, ceases to be what he was—because he doubles himself.” (1)

Sophie Thun’s work is an autobiographical stream of images. It is a visual collection of places and spaces in which the artist has worked, photographed and exhibited. As author of her images, she is a constant presence: She stages herself gazing assuredly into the camera, represents herself by means of her photographic equipment, or presses her body directly onto the photo paper. At each step of the creative process, the artist has control over her image, and subsequently over her subjectivity and the depiction of (female) self-representation.

Thun utilises a variety of photographic techniques, including fragmentation and reproduction. By multiplying, dissecting and breaking down the claim of one “natural” status quo, she explores the idea of the self as an amalgamation of “selves”, depicting identity as a process, as changeable. The exhibition Sophie Thun: Working Title provides an insight into the artist’s photographic experiments on the representation of the self, between multiplication and dissolution.

The multiplication of space

In this exhibition, the spaces of Madragoa have also been encoded into Thun’s work: a spatial intervention was developed, incorporating two works referring directly to the exhibition venue. In the centre of the gallery space, the artist confronts visitors with a life-size colour print of the office behind, suspended from the ceiling. The image’s complex composition is reminiscent of an enfilade, with a sequence of architectural and mirrored rooms and Thun’s silhouette visible as a reflection behind her large-format camera. The artist always photographs in analogue and almost every print, whether life-size or in the format of a negative, is unique. In the exhibition, she places the large-format photo paper in front of the room itself like a curtain to highlight the artifice of photography as a two-dimensional imitation.

Similarly, she installs the second on-location work in front of the window overlooking the street it depicts. The framed black-and-white print shows the window with a sheet of paper inside it. In front, Thun has placed her film holder, light meter and loupe. Inspired by the depiction of materiality in trompe l’oeil painting, the artist initiates her experiments in illusion and imitation with a focus on matter. While a canvas is painted with a brush and paint, in this instance the photo paper imitates the texture of the real paper. For Thun, who also studied painting, this gesture is less a defence of photography against other forms of art as it is an allusion to the fertile proximity of the problems and questions expressed in many of her works.

The window motif appears in another work, albeit in a different form, as an image within an image. A 4 x 5-inch negative is seen hanging from bulldog clips in the window of the artist’s Vienna studio. The camera features once again, framed by a door with a mirror attached to it. Her hand, imprinted in white, enters the image from the right, gripping under the negative while simultaneously being intersected by the window leading. The insertion, overlapping and interweaving of images and image spaces is a recurring principle in Thun’s work: On the one hand, she makes reference to the many, largely invisible, production processes, which she condenses visually onto the surface of the image. On the other, she refers to the snapshot quality of the (photographic) image which, like a window, only limits our view of the world and can never capture it in its entirety. In this way, she questions our habit of reading photography as a reflection of reality.

The multiplication of the self

In the After Hours series, with the duplication of Thun’s self-portraits, the use of multiplication becomes even more complex. The title of this ongoing series of works refers to the circumstances of their creation. Thun takes the photographs in hotel rooms after working as a camera and lab technician for other (male) photographers or in her own exhibitions. The black-and-white prints show the artist in a variety of poses, always naked and always holding the shutter release in her hand. Prior to exposure, Thun usually makes a diagonal cut through the negatives and mounts them in a way that produces a doubling effect via rearrangement and physical displacement. The scenes show references to the art history of the female nude, as well as a closeness to pornographic images, created by splitting the body and arranging the fragments to form motifs with sexual connotations.

From outside, the artist’s hands once again extend inside the image as multiple white silhouettes, as if to fix the collage in place. Thun produces this effect in the darkroom by pressing her body onto the photo paper so that no light reaches that area, producing a photogram. In so doing, she inscribes her physical presence into the work while simultaneously drawing attention to the body’s absence.

Like the view through a kaleidoscope, Thun’s images consist of multiple fragments which detach from one another over and over to take a new form. She creates her works using methods which disrupt pictorial logic and dissolve its coherency for the observer. At the same time, the artist creates an awareness of the author’s multiple roles, which she assumes in the process of creating the images as photographer, model, processor and technician. Dissolution can also be observed in the duplication of the self.

(1) Georges Bataille, Literature and Evil (Penguin, 2012), p 69.

Marijana Schneider, 2022 (translated by Jessica West)

PT

“Reproduzir-se é desaparecer e mesmo o ser mais básico assexuado é rarefeito pela reprodução. Aqueles que se reproduzem não morrem se, por morte, compreendemos a passagem da vida à decomposição, mas aquele que é, ao reproduzir-se, deixa de ser o que era - porque se duplica.”

A obra de Sophie Thun é um fluxo autobiográfico de imagens. É uma coleção visual de lugares e espaços em que a artista trabalhou, fotografou e exibiu. Como autora das suas imagens, ela é uma presença constante: Ela encena-se a si própria olhando com segurança para a câmara, representa-se a si própria através do seu equipamento fotográfico, ou pressiona o seu corpo diretamente para o papel fotográfico. Em cada etapa do processo criativo, a artista tem controlo sobre a sua imagem, e subsequentemente sobre a sua subjetividade e a ilustração da auto-representação (feminina).

Thun utiliza uma variedade de técnicas fotográficas, incluindo a fragmentação e a reprodução. Ao multiplicar, dissecar e quebrar a pretensão de um status quo "natural", ela explora a ideia do eu como uma amálgama de "eus", retratando a identidade como um processo, como mutável. A exposição Sophie Thun: Working Title proporciona uma visão das experiências fotográficas da artista sobre a representação do eu, entre a multiplicação e a dissolução.

A multiplicação do espaço

Nesta exposição, os espaços da Galeria Madragoa foram também codificados na obra de Thun: Foi desenvolvida uma intervenção espacial, incorporando duas obras que se referem diretamente ao local da exposição. No centro do espaço da galeria, o artista confronta os visitantes com uma impressão a cores em tamanho real do escritório atrás, suspensa do teto. A complexa composição da imagem faz lembrar um enfileiramento, com uma sequência de salas arquitetónicas e espelhadas e a silhueta de Thun visível como um reflexo atrás da sua câmara de grande formato. A artista fotografa sempre em analógico e quase todas as impressões, em tamanho real ou no formato de um negativo, são únicas. Na exposição, ela coloca o papel fotográfico de grande formato em frente da própria sala como uma cortina para destacar o artifício da fotografia como uma imitação bidimensional.

Da mesma forma, ela instala o segundo trabalho no local em frente à janela com vista para a rua que ela representa. A impressão emoldurada a preto e branco mostra a janela com uma folha de papel no seu interior. Em frente, Thun colocou o seu suporte de filme, medidor de luz e lupa. Inspirada pela representação da materialidade na pintura trompe l'oeil, a artista inicia as suas experiências de ilusão e imitação com um enfoque na matéria. Enquanto uma tela é pintada com um pincel e tinta, neste caso o papel fotográfico imita a textura do papel real. Para Thun, que também estudou pintura, este gesto é menos uma defesa da fotografia contra outras formas de arte, pois é uma alusão à proximidade fértil dos problemas e questões expressos em muitas das suas obras.

O tema da janela aparece noutra obra, embora numa forma diferente, como uma imagem dentro de uma imagem. Um negativo de 4 x 5 polegadas é visto pendurado em clipes de bulldog na janela do estúdio da artista em Viena. A câmara aparece mais uma vez, emoldurada por uma porta com um espelho a ela ligado. A sua mão, impressa em branco, entra na imagem pela direita, agarrando-se sob o negativo enquanto é simultaneamente intersectada pela janela que conduz. A inserção, sobreposição e entrelaçamento de imagens e espaços de imagem é um princípio recorrente no trabalho de Thun: Por um lado, ela faz referência aos muitos processos de produção, em grande parte invisíveis, que condensa visualmente na superfície da imagem. Por outro lado, ela refere-se à qualidade instantânea da imagem (fotográfica) que, como uma janela, apenas limita a nossa visão do mundo e nunca a pode capturar na sua totalidade. Desta forma, ela questiona o nosso hábito de ler a fotografia como um reflexo da realidade.

A multiplicação do eu

Na série After Hours, com a duplicação dos auto-retratos de Thun, o uso da multiplicação torna-se ainda mais complexo. O título desta série de obras em curso refere-se às circunstâncias da sua criação. Thun tira as fotografias em quartos de hotel depois de trabalhar como máquina fotográfica e técnica de laboratório para outros fotógrafos (masculinos) ou nas suas próprias exposições. As impressões a preto e branco mostram a artista numa variedade de poses, sempre nua e segurando sempre o disparo do obturador na sua mão. Antes da exposição, Thun faz normalmente um corte diagonal através dos negativos e monta-os de forma a produzir um efeito de duplicação através de rearranjo e deslocamento físico. As cenas mostram referências à história da arte do nu feminino, bem como uma aproximação a imagens pornográficas, criadas através da divisão do corpo e da organização dos fragmentos para formar temas com conotações sexuais.

Do exterior, as mãos da artista estendem-se mais uma vez dentro da imagem como múltiplas silhuetas brancas, como se fosse para fixar a colagem no lugar. Thun produz este efeito na câmara escura, pressionando o seu corpo sobre o papel fotográfico para que nenhuma luz chegue a essa área, produzindo um fotograma. Ao fazê-lo, ela inscreve a sua presença física no trabalho ao mesmo tempo que chama a atenção para a ausência do corpo.

Tal como a vista através de um caleidoscópio, as imagens de Thun consistem em múltiplos fragmentos que se desprendem uns dos outros vezes sem conta para assumirem uma nova forma. Ela cria as suas obras utilizando métodos que perturbam a lógica pictórica e dissolvem a sua coerência para o observador. Ao mesmo tempo, a artista cria uma consciência dos múltiplos papéis da autora, que ela assume no processo de criação das imagens como fotógrafa, modelo, processadora e técnica. A dissolução também pode ser observada na duplicação do eu.

(1) Georges Bataille, Literature and Evil (Penguin, 2012), p 69.

Marijana Schneider, 2022 (Tradução: Jessica West, Eládio Cardoso)