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An unexpected and singular visual catalogue of activities for the Summer, with works by Sarah Benslimane (b. 1997, Besançon), Sara Chang Yan (b. 1982, Lisbon), Enzo Cucchi (b. 1949, Morro D’Alba, Italy), Rodrigo Hernández (b. 1983, Mexico City), Luís Lázaro Matos (b. 1987, Évora, Portugal), Carrie Moyer (b. 1960, Detroit), Kate Newby (b. 1979, Auckland), Joanna Piotrowska (b. 1985, Warsaw), Gonçalo Preto (b. 1991, Lisbon), Yuli Yamagata (b. 1989, São Paulo).

Sarah Benslimane belongs to a generation of artists who live their lives completely within the rules of the Internet and her work reflects the overflow of information, history, images and styles, available all at once and at everyone’s fingertips. Referencing hard-edged Minimalism and the irony of NeoGeo, Benslimane's paintings blast through preconceived notions of vulgarity, sweetness, the feminine and the now, creating a physical space where naiveté, rudeness, the joking and the serious, coexist in harmony. Benslimane combines different elements, challenging the limits of painting, interrogating the status of the artwork thus reflecting on its trivialization as a near object or even as an ornamental accessory.

Drawing is intensely explored in Sara Chang Yan’s work: the artist uses it in a variety of media to delve into the representation and presence of elements of light, shadows, transparency and opacity. Not limited to the paper sheet, drawing expands into video and into the space, in the form of installations aiming to capture the internal and essential quality that motivates the act of drawing itself. In her interventions, the artist tries to give shape to the often-invisible complex of structure-movement-vibration, letting emerge feelings such as of emptiness, consciousness of space and the energies that run through it.

Enzo Cucchi is an artist among the leading figures of the Transavanguardia movement, responsible for reintroducing figuration into painting from the late 1970s in Italy, after a season of conceptual rigor. Cucchi’s work arises from astonishment, an urge imposed by a dazzling image that does not pre-exist the painting, but comes to life in the canvas. The artist’s visual imagery combines simple, such as flames and eyes, with details from the landscape of central Italy. It is the landscape of Marche, his native region, with the Adriatic Sea on one side and the agricultural, hilly countryside on the other, in which spirituality and magic, linked to the peasant culture, persist latent.

Rodrigo Hernández’s complex practice stems from his interest in image-making at all level of the process, from conceptual to artisanal, from Mesoamerican iconography to contemporary art. He works mainly with traditional media and techniques of art making, such as drawing, sculpture and painting. Drawing on a wide range of aesthetic references, from classical Japanese printmaking to fashion, and European modernism, Hernández works to develop a highly personal formal vocabulary, varying from object making to site specific and research focused work.

Apparently light-hearted and playful, Luís Lázaro Matos’ work explores complex dynamics in relation to current social and philosophical constructions shaping contemporary forms of narrative. Within his colourful graphic figurations, humour and drama synchronize. Often dealing with identity politics and queerness, Matos creates metaphorical portraits of today’s mutual aesthetic, imbued with his personal experiences as a digital native. His works reveal shared emotional images and open up discourses which allude to both intimate and social dynamics.

The US artist Carrie Moyer is known for her lavish abstractions. Her paintings explore and extend the legacy of American Abstraction, while paying tribute to many of its crucial female figures, such as Helen Frankenthaler and Georgia O’Keeffe. Moyer’s work proposes a new approach to combining history, research and experimentation in painting, with her references to Colour Field painting, Pop Art and 1970s Feminist art. Influenced by a background in design and queer activism, she carefully merges concept, research and lived experience with different stylistic and visual references in her work.

Kate Newby’s sculptures and installations combine diverse media, including ceramics, fabric, casting, and glass, to create site-specific projects that establish deep relationships with places. Her projects draw directly from the locations in which they are presented, exploring the space, volume, texture and material as well as the position of the work. Newby is interested in where the sculpture happens, engaging with a variety of situations using everyday occurrences, gestures and materials to uproot and challenge how contemporary art is exhibited, viewed and archived.

Joanna Piotrowska’s analogue photographs capture situations in which human relationships, on an intimate level but also in relation to social, political and cultural superstructures, are entrusted to bodily expressions or in stylized images of individual, evocative, items. The artist uses photography, as well as performance and film, to explore notions such as family, security, home and homelessness, stereotypes concerning women, the human desire to dominate animals. Piotrowska challenges conventional narratives of family and home and their irreconciled tension with the reality of the wider socio-political realm.

Portuguese artist Gonçalo Preto's visual world is composed of often mysterious situations, infused with a tense atmosphere in which nonlinear narratives unfold, rendered through a sophisticated oil painting technique on canvas, paper or panel. His work explores the vivid energy that silence and stillness can emanate, with an interest in depicting dimly lit environments. The most recent works show a development of his research on visual perception, in which Preto challenges the viewer's gaze: recurring to different effects of perception, such as the eye's reaction to light, focus, proximity and abstraction, the artist seems to provide images with that intangible appearance of everyone’s lost memories.

Working primarily with stuffed fabric, Yuli Yamagata’s sculptures and bidimensional works are nurtured by a pop imagery that turns them into objects charged with a familiar strangeness. Through her Japanese heritage, she has become interested in detached aspects of its culture, including shibori, a manual tie-dyeing technique, and manga. Her work involves manipulating textile-materials, resins and readily-identified daily objects. Combining imagery and references, ranging from classic design to the vibrant colors of athletes’ Lycra suits, Yamagata’s dynamic works embody aspects of contemporary popular culture and its accelerated pace—from fast-food aesthetics to obsession with the body and fitness.

PT

Um inesperado e singular catálogo visual de atividades para o verão, com obras de Sarah Benslimane (n. 1997, Besançon), Sara Chang Yan (n. 1982, Lisboa), Enzo Cucchi (n. 1949, Morro D'Alba, Itália), Rodrigo Hernández (n. 1983, Cidade do México), Luís Lázaro Matos (n. 1987, Évora, Portugal), Carrie Moyer (n. 1960, Detroit), Kate Newby (n. 1979, Auckland), Joanna Piotrowska (n. 1985, Varsóvia), Gonçalo Preto (n. 1991, Lisboa), Yuli Yamagata (n. 1989, São Paulo).

Sarah Benslimane pertence a uma geração de artistas que vive a sua vida completamente dentro das regras da Internet e o seu trabalho reflete o excesso de informação, história, imagens e estilos, disponíveis ao mesmo tempo e na ponta dos dedos de todos. Com referências ao Minimalismo de vanguarda e à ironia do NeoGeo, as pinturas de Benslimane atravessam noções preconcebidas de vulgaridade, doçura, do feminino e do agora, criando um espaço físico onde a ingenuidade, a rudeza, a brincadeira e a seriedade coexistem em harmonia. Benslimane combina diferentes elementos, desafiando os limites da pintura, questionando o estatuto da obra de arte, refletindo assim sobre a sua banalização como objeto próximo ou mesmo como acessório ornamental.

O desenho é intensamente explorado na obra de Sara Chang Yan: a artista utiliza-o numa variedade de suportes para aprofundar a representação e a presença de elementos de luz, sombras, transparência e opacidade. Não se limitando à folha de papel, o desenho expande-se para o vídeo e para o espaço, sob a forma de instalações que pretendem captar a qualidade interna e essencial que motiva o próprio ato de desenhar. Nas suas intervenções, a artista procura dar forma ao complexo, muitas vezes invisível, de estrutura-movimento-vibração, deixando emergir sentimentos como o vazio, a consciência do espaço e as energias que o atravessam.

Enzo Cucchi é um artista que se conta entre as principais figuras do movimento Transavanguardia, responsável pela reintrodução da figuração na pintura a partir do final dos anos 70 em Itália, após uma época de rigor concetual. A obra de Cucchi nasce do espanto, um impulso imposto por uma imagem deslumbrante que não pré-existe à pintura, mas que ganha vida na tela. O imaginário visual do artista combina o simples, como as chamas e os olhos, com pormenores da paisagem do centro de Itália. É a paisagem de Marche, a sua região natal, com o Mar Adriático de um lado e o campo agrícola e montanhoso do outro, onde a espiritualidade e a magia, ligadas à cultura camponesa, persistem latentes.

A prática complexa de Rodrigo Hernández resulta do seu interesse pela criação de imagens em todos os níveis do processo, do concetual ao artesanal, da iconografia mesoamericana à arte contemporânea. Trabalha principalmente com meios e técnicas tradicionais de produção artística, como o desenho, a escultura e a pintura. Partindo de um vasto leque de referências estéticas, da gravura clássica japonesa à moda e ao modernismo europeu, Hernández trabalha para desenvolver um vocabulário formal altamente pessoal, variando entre a criação de objectos e o trabalho específico e centrado na investigação.

Aparentemente leve e lúdico, o trabalho de Luís Lázaro Matos explora dinâmicas complexas em relação às atuais construções sociais e filosóficas que moldam as formas contemporâneas de narrativa. Nas suas figurações gráficas coloridas, o humor e o drama sincronizam-se. Abordando frequentemente a política de identidade e o queerness, Matos cria retratos metafóricos da estética mútua atual, imbuídos das suas experiências pessoais como nativo digital. As suas obras revelam imagens emocionais partilhadas e abrem discursos que aludem tanto a dinâmicas íntimas como sociais.

A artista norte-americana Carrie Moyer é conhecida pelas suas abstrações luxuosas. As suas pinturas exploram e alargam o legado da Abstração Americana, ao mesmo tempo que prestam homenagem a muitas das suas figuras femininas cruciais, como Helen Frankenthaler e Georgia O'Keeffe. O trabalho de Moyer propõe uma nova abordagem à combinação de história, pesquisa e experimentação na pintura, com as suas referências à pintura Colour Field, à Pop Art e à arte feminista dos anos 70. Influenciada por um passado em design e ativismo queer, a artista funde cuidadosamente conceito, pesquisa e experiência vivida com diferentes referências estilísticas e visuais no seu trabalho.

As esculturas e instalações de Kate Newby combinam diversos meios, incluindo cerâmica, tecido, fundição e vidro, para criar projetos específicos que estabelecem relações profundas com os lugares. Os seus projetos são diretamente inspirados nos locais em que são apresentados, explorando o espaço, o volume, a textura e o material, bem como a posição da obra. Newby está interessada no local onde a escultura acontece, envolvendo-se numa variedade de situações, utilizando ocorrências, gestos e materiais do quotidiano para desenraizar e desafiar a forma como a arte contemporânea é exibida, vista e arquivada.

As fotografias analógicas de Joanna Piotrowska captam situações em que as relações humanas, a um nível íntimo mas também em relação a superestruturas sociais, políticas e culturais, são confiadas a expressões corporais ou a imagens estilizadas de objetos individuais e evocativos. A artista utiliza a fotografia, bem como a performance e o filme, para explorar noções como a família, a segurança, o lar e a falta de habitação, os estereótipos relativos às mulheres e o desejo humano de dominar os animais. Piotrowska desafia as narrativas convencionais da família e do lar e a sua tensão irreconciliável com a realidade do domínio socio-político mais alargado.

O mundo visual do artista português Gonçalo Preto é composto por situações muitas vezes misteriosas, impregnadas de uma atmosfera tensa em que se desenrolam narrativas não lineares, executadas através de uma sofisticada técnica de pintura a óleo sobre tela, papel ou painel. O seu trabalho explora a energia vívida que o silêncio e a quietude podem emanar, com um interesse na representação de ambientes pouco iluminados. As obras mais recentes revelam um desenvolvimento da sua pesquisa sobre a perceção visual, em que Preto desafia o olhar do espetador: recorrendo a diferentes efeitos da perceção, como a reação do olho à luz, a focagem, a proximidade e a abstração, o artista parece fornecer imagens com essa aparência intangível das memórias perdidas de todos.

Trabalhando principalmente com tecido recheado, as esculturas e obras bidimensionais de Yuli Yamagata são alimentadas por um imaginário pop que as transforma em objetos carregados de uma estranheza familiar. Devido à sua herança japonesa, Yuli Yamagata interessou-se por aspetos isolados da cultura japonesa, incluindo o shibori, uma técnica manual de tingimento por amarração, e a manga. O seu trabalho envolve a manipulação de materiais têxteis, resinas e objetos quotidianos facilmente identificados. Combinando imagens e referências, que vão desde o design clássico às cores vibrantes dos fatos de Lycra dos atletas, as obras dinâmicas de Yamagata incorporam facetas da cultura popular contemporânea e do seu ritmo acelerado - desde a estética da fast-food à obsessão com o corpo e o fitness.