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A wall-gecko watched us as we drank. ‘Look at that wall-gecko, Dad.’

‘Don’t mind it,’ he said without looking. ‘It’s our friend, watching over us.’

The pepper soup was hotter than usual and I kept blowing to cool its fire.

– Ben Okri, The Famished Road

There are many stories of an inexpensive substance named ‘soup’. Sold by French street vendors in the 16th century, soup was a potent antidote to physical exhaustion, prescribed to restore strength and health (the word restaurant derives from here, and the French restaurer). There’s another tale of a Portuguese soup made with stones (Sopa da Pedra) in which hungry travellers, carrying nothing more than a cooking pot and a stone, convinced townspeople to share small amounts of food to make a communal meal. A material crossing our bodies, soup is a carrier of histories, remedies, and memories that transmit a sense of identity and belonging. But, the act of combining and mixing different elements often risks homogenisation – of ingredients merging into an awkward ‘melting pot’. When people and places enter in contact, how do they maintain singularity? Can they flow and interact without losing their distinct identities? And what are their underflavours?

Spanning geographies and media, this exhibition is an amalgam of syncretic encounters. With a poetic approach, each work challenges the stereotypes and expectations of people and places, inviting reflections on how we find roots in various contexts. Drawing from personal narratives, each artist deploys visual means to capture sensory experiences of living between cultures, moving from Arab, Asian and East African regions, Latin America, and the Caribbean to Southern Europe. By reimagining everyday architectures and landscapes and observing the interlacing of vegetal and urban spaces, the artists explore migratory narratives and diasporic experiences of the everyday.

Through a practice that is research-based and emotion-oriented, Rebecca Moccia investigates the sensory relationship between physical and social spaces. A series of works responding to the space of Madragoa uncover temperatures, atmospheres, and affective states. Thermal photographs – cut and woven together into small tapestries in collaboration with members of San Patrignano Community Centre – capture the heat of mountain landscapes in Italy. The blue-back paper, commonly used for billboards and here ripped off the gallery walls, points to the shadows of the building at a specific time of the day. The photograph of a building roof holds the Italian word ‘Coraggio’ - meaning courage. A slogan tagged onto a rainy rooftop in Milan, it is only visible via aerial view. Intended as a form of grounding, the work expresses intimate messages despite its public dimensions. Small microphones hang from the ceiling but cannot be used. Instead, they are glazed through the Raku technique, usually employed to make ceremonial cups, which involves burning a glaze. By playing with the language of materials, and confusing the normal function of objects, Moccia reshuffles our senses. The works invite us to re-attune ourselves to the surrounding space, and find other ways to move through the structures that shape our reality.

In Lydia Ourahmane’s installation, minimalistic gestures become a poetic means to retrace family origins and map her identity across time. Having lived between places since emigrating from Algeria to the UK as a girl, Ourahmane looks at her maternal family lineage for the first time in her research-based practice. Two plates on the wall bear the Chinese inscription “Clear and Magnificent” [清晰壯麗]. What remains of this legacy are things of no particular value. Treated as readymades and hung on the wall, these simple objects become icons of complex personal histories, once circulating in the Chinese restaurant her grandfather eventually lost to bankruptcy. In diasporic experiences, ephemera is often accompanied by a sense of belonging but also by disconnection and remoteness. Despite the transience of their economy, these empty dishes, once vessels for prosperity, evoke a gustatory memory, told in the stories of others.

References to food, cityscapes, and social histories are hand-woven in Alia Farid’s tapestries. In the first chapter of an ongoing research project, which traces waves of migration from South Asia and the Arab countries to Latin America and the Caribbean, Farid observes buildings, adverts, and shops. These include pharmacies and restaurants in Puerto Rico, conjuring the presence of the Palestinian diaspora locally. Emerging from this series, the tapestry El Menú II presents dishes labelled as “Comida Arabe” (Spanish for “Arab food”). Included is the Puerto Rican Mofongo - a local plantain dish - as well as Italian and other cross-continental recipes. These ‘dishes of the day’ are prepared in an Arab-owned restaurant called El Nilo. This mixture of culinary traces, alongside brightly coloured cityscapes, places of worship, and other architectural motives, shows how people, habits, and traditions converge, without merging completely. Drawing from photographs, archival material, local interviews, and the culture of fat weaving in the Arabic-speaking world, Farid exposes the traces of migrations embedded in daily life, showing their power as a conduit for community and collective identity.

Shifting the tradition of landscape painting to urban sites, Farida El Gazzar explores collective and personal experiences in a series of works on paper. The images in antique frames show architectural and landscape details from Athens, where the artist lives, and Cairo, which speaks to her Egyptian roots. El Gazzar began developing these formats during the pandemic while walking and contemplating her immediate surroundings and neighbourhoods. The walks became a form of travelling and reconnecting to faraway familiar places. Depictions of unfinished brutalist buildings and houses built close to already-existing structures allow reflections on land use and its mismanagement. In other paintings, she captures palms and citrus trees, redirecting us to another form of growth and expansion. She also paints the moon as a symbol of something shared, under which we have singular life paths and experiences. Combining stories of urban development with the symbolism of gardens and mystical places, El Gazzar creates pockets of spaces rooted in the everyday to tune in with one's thoughts, to get lost in what is hidden and unknown.

In Vashish Soobah’s video and photographs, silent actors in colonial legacies, such as the Indian Ocean and sugarcane plantations of Mauritius, alongside family narratives, become means to retrace identity. Raised in Italy by Mauritian parents, Soobah considers the island landscape a physical and existential space through which to navigate his roots. The silent video Différent vagues mais mêmes ocean, vol 3 explores the theme of voyage, and the return to home. Poems by Derek Walcott accompany shots of the beaches, empty interiors, and plantations where Soobah’s grandmother worked. The shaky movement of the camera recalls the waves of an ocean and the wind passing through fields, evoking both instability and a sense of meditation. Close ups of leaves carrying fire on water and other rituals uncover the importance of spiritual practices. The ocean, an ancient mixture, carries a chance for healing and reconnection. In his video, Soobah cites Walcott’s Love after Love poem, an ode to returning home to oneself:

The time will come

when, with elation,

you will greet yourself arriving

at your own door,

in your own mirror,

and each will smile at each other’s welcome,

and say, sit here. Eat.

Giulia Civardi

Giulia Civardi is a curator and writer, who currently works as Curator and Collection Manager at Nicoletta Fiorucci Foundation and independently. She curated projects for Tate Modern, Rupert Centre for Art and Education, Kunstraum London, Curated By Vienna, among others. She gave lectures and talks at Central Saint Martins, Goldsmiths University, Barbican Centre, Academy of Fine Arts Venice. She is a member of AWI Art Workers Italia, where she reported on sustainable models of cultural governance. She regularly writes on art and culture and her writing has appeared on NERO, Flash Art, CURA., this is tomorrow, and more.

PT

Uma osga observava-nos enquanto bebíamos. Olha para aquela osga, pai”.

'Não lhe ligues', disse ele sem olhar. É a nossa amiga, a olhar por nós.

A sopa de pimenta estava mais quente do que o habitual e eu estava sempre a soprar para arrefecer o fogo.

– Ben Okri, The Famished Road

Há muitas histórias sobre uma substância barata chamada “sopa”. Vendida por vendedores ambulantes franceses no século XVI, a sopa era um antídoto potente para a exaustão física, prescrita para restaurar a força e a saúde (a palavra restaurante deriva daqui, e o francês restaurer). Há ainda a história de uma sopa portuguesa feita com pedras (Sopa da Pedra), em que viajantes esfomeados, munidos apenas de uma panela e de uma pedra, convenciam os habitantes da cidade a partilhar pequenas quantidades de alimentos para fazer uma refeição coletiva. Material que atravessa os nossos corpos, a sopa é portadora de histórias, remédios e memórias que transmitem um sentimento de identidade e pertença. Mas o ato de combinar e misturar diferentes elementos corre frequentemente o risco de homogeneização - de os ingredientes se fundirem num estranho “caldeirão”. Quando as pessoas e os lugares entram em contacto, como é que mantêm a singularidade? Podem fluir e interagir sem perder as suas identidades distintas? E quais são os seus sub-sabores?

Abrangendo geografias e meios de comunicação, esta exposição é uma amálgama de encontros sincréticos. Com uma abordagem poética, cada obra desafia os estereótipos e as expectativas de pessoas e lugares, convidando a reflexões sobre a forma como encontramos raízes em vários contextos. Partindo de narrativas pessoais, cada artista utiliza meios visuais para captar experiências sensoriais de vida entre culturas, deslocando-se das regiões árabes, asiáticas e da África Oriental, da América Latina e das Caraíbas para o Sul da Europa. Ao reimaginar arquiteturas e paisagens quotidianas e ao observar o entrelaçamento de espaços vegetais e urbanos, os artistas exploram narrativas migratórias e experiências diaspóricas do dia-a-dia.

Através de uma prática baseada na investigação e orientada para a emoção, Rebecca Moccia investiga a relação sensorial entre espaços físicos e sociais. Uma série de trabalhos que respondem ao espaço da Madragoa revelam temperaturas, atmosferas e estados afetivos. Fotografias térmicas – cortadas e tecidas em pequenas tapeçarias em colaboração com membros do Centro Comunitário de San Patrignano – captam o calor das paisagens de montanha em Itália. O papel de fundo azul, habitualmente utilizado em painéis publicitários e aqui arrancado das paredes da galeria, aponta para as sombras do edifício a uma determinada hora do dia. A fotografia do telhado de um edifício contém a palavra italiana “Coraggio” - que significa coragem. Um slogan afixado num telhado chuvoso de Milão, só é visível através de uma vista aérea. Destinada a ser uma forma de ligação à terra, a obra exprime mensagens íntimas apesar das suas dimensões públicas. Pequenos microfones estão pendurados no teto, mas não podem ser utilizados. Em vez disso, são esmaltados através da técnica Raku, normalmente utilizada para fazer taças cerimoniais, que envolve a queima de um esmalte. Ao brincar com a linguagem dos materiais e ao confundir a função normal dos objetos, Moccia baralha os nossos sentidos. As obras convidam-nos a sintonizarmo-nos novamente com o espaço circundante e a encontrar outras formas de nos movermos através das estruturas que moldam a nossa realidade.

Na instalação de Lydia Ourahmane, gestos minimalistas tornam-se um meio poético para reconstituir as origens familiares e mapear a sua identidade ao longo do tempo. Tendo vivido entre lugares desde que emigrou da Argélia para o Reino Unido em criança, Ourahmane olha para a linhagem da sua família materna pela primeira vez na sua prática baseada na investigação. Duas placas na parede ostentam a inscrição chinesa “Claro e Magnífico” [清晰壯麗]. O que resta deste legado são coisas sem valor particular. Tratados como readymades e pendurados na parede, estes objetos simples tornam-se ícones de histórias pessoais complexas, outrora circulando no restaurante chinês que o seu avô acabou por perder por falência. Nas experiências diaspóricas, as coisas efémeras são frequentemente acompanhadas por um sentimento de pertença, mas também de desconexão e afastamento. Apesar da transitoriedade da sua economia, estes pratos vazios, outrora recipientes de prosperidade, evocam uma memória gustativa, contada nas histórias de outros.

As referências a alimentos, paisagens urbanas e histórias sociais são tecidas à mão nas tapeçarias de Alia Farid. No primeiro capítulo de um projeto de investigação em curso, que traça as vagas de migração do Sul da Ásia e dos países árabes para a América Latina e as Caraíbas, Farid observa edifícios, anúncios e lojas. Estes incluem farmácias e restaurantes em Porto Rico, evocando a presença da diáspora palestiniana a nível local. A partir desta série, a tapeçaria El Menú II apresenta pratos rotulados como “Comida Arabe”. Inclui o Mofongo porto-riquenho – um prato local de banana-da-terra – bem como receitas italianas e outras receitas transcontinentais. Estes “pratos do dia” são preparados num restaurante de propriedade árabe chamado El Nilo. Esta mistura de traços culinários, juntamente com paisagens urbanas de cores vivas, locais de culto e outros motivos arquitetónicos, mostra como as pessoas, os hábitos e as tradições convergem, sem se fundirem completamente. Recorrendo a fotografias, material de arquivo, entrevistas locais e à cultura da tecelagem de gordura no mundo de língua árabe, Farid expõe os vestígios das migrações incorporados na vida quotidiana, mostrando o seu poder como condutor da comunidade e da identidade colectiva.

Deslocando a tradição da pintura de paisagem para locais urbanos, Farida El Gazzar explora experiências coletivas e pessoais numa série de trabalhos sobre papel. As imagens em molduras antigas mostram pormenores arquitetónicos e paisagísticos de Atenas, onde a artista vive, e do Cairo, que remete para as suas raízes egípcias. El Gazzar começou a desenvolver estes formatos durante a pandemia, enquanto caminhava e contemplava os seus arredores e bairros mais próximos. As caminhadas tornaram-se uma forma de viajar e de restabelecer a ligação a lugares familiares distantes. As representações de edifícios brutalistas inacabados e de casas construídas junto a estruturas já existentes permitem refletir sobre o uso do solo e a sua má gestão. Noutras pinturas, captura palmeiras e árvores de citrinos, redirecionando-nos para outra forma de crescimento e expansão. Também pinta a lua como um símbolo de algo partilhado, sob o qual temos percursos de vida e experiências singulares. Combinando histórias de desenvolvimento urbano com o simbolismo de jardins e lugares místicos, El Gazzar cria bolsas de espaços enraizados no quotidiano para nos sintonizarmos com os nossos pensamentos, para nos perdermos no que está escondido e desconhecido.

No vídeo e nas fotografias de Vashish Soobah, os atores silenciosos das heranças coloniais, como o Oceano Índico e as plantações de cana-de-açúcar das Maurícias, juntamente com as narrativas familiares, tornam-se meios para reconstituir a identidade. Criado em Itália por pais mauricianos, Soobah considera a paisagem da ilha um espaço físico e existencial através do qual navega pelas suas raízes. O vídeo silencioso Différent vagues mais mêmes ocean, vol 3 explora o tema da viagem e o regresso a casa. Poemas de Derek Walcott acompanham imagens de praias, interiores vazios e plantações onde a avó de Soobah trabalhou. O movimento instável da câmara lembra as ondas do oceano e o vento que passa pelos campos, evocando tanto a instabilidade como uma sensação de meditação. Os grandes planos das folhas que transportam o fogo sobre a água e outros rituais revelam a importância das práticas espirituais. O oceano, uma mistura ancestral, oferece uma oportunidade de cura e reconexão. No seu vídeo, Soobah cita o poema Love after Love de Walcott, uma ode ao regresso a casa:

Chegará o momento

em que, com alegria,

te cumprimentarás ao chegar

à tua própria porta,

no vosso próprio espelho,

e cada um sorrirá ao receber o outro,

e dirão, sentem-se aqui. Comam.

Giulia Civardi

Giulia Civardi é curadora e escritora e trabalha independentemente e como Curadora e Gestora da Coleção da Fundação Nicoletta Fiorucci. Comissariou projetos para a Tate Modern, Rupert Centre for Art and Education, Kunstraum London, Curated By Vienna, entre outros. Fez palestras em Central Saint Martins, Goldsmiths University, Barbican Centre, Academy of Fine Arts Venice. É membro do AWI Art Workers Italia, onde reportou sobre modelos sustentáveis de gestão cultural. Escreve regularmente sobre arte e cultura e os seus textos foram publicados na NERO, Flash Art, CURA., this is tomorrow, entre outros.